莊世和(1923-2020)

藝術類 - 油畫

油彩、木板

1942

24×33cm

《詩人的憂鬱》創作於1942年，據莊世和早年的自述，靈感來自留學期間，寄寓於東京早稻田大學附近的不二美莊時，見到舍友們因生活景況起落的各種變化而生的種種感觸：「血淚的、掙扎的、悲傷的、失意的、憤怒的、奮鬥的、快活的」，於是以此為「畫因」，由學校所教的「物質研究」著手創作：「先用圖畫紙把想要創作的圖形考案打草稿，則速寫式的構成畫面，之後用舊、新報紙、色紙、波浪紙、馬糞紙和其他能用的各種紙素材，撕、剪，按照草稿的樣式形態 用漿糊貼在另一張圖畫紙上。這樣，一幅美麗的圖畫產生——這叫做Collage畫。然後按照Collage的圖形用3B或4B鉛筆畫素描。後來根據素描和藍圖再用水彩 或油彩，畫出另一幅別開生面的彩色美麗的水彩畫或油畫作品」。

《詩人的憂鬱》並未以自然主義式的再現人物入畫，而是從拼貼的手法入手。莊世和先以或撕或剪的物質取材，由無意識的造形開始，將紙材上各種局部的符號、紋路、標題、線條，統一壓縮於二次元的平面上。原本物體上簡潔的符號元素，透過畫家的安排，與不規則的碎片、自由繪製的色面協調成一整體構圖。有別於法國畫家布拉克（Georges Braque, 1882-1963）在分析立體主義階段褐色調的限制，《詩人的憂鬱》採用的黑色塊，既連結了報紙印刷字體的概念延伸，也協調了波浪紙上暗黑的陰影構成，再搭配畫面中心與週邊強烈的赭紅塊面，成功地將詩人內心情緒的跌宕起伏，綜合在畫面上視覺節奏與色彩動態的造形性之中，堪稱莊世和早期極具代表性的傑作。

近來出土的史料顯示，莊世和晚年曾回憶在這段留學期間，因屢遭特高（思想警察）與官憲的盤查與監視，甚至被沒收日記與書籍而不斷搬遷，可見詩人的憂鬱，或許也是畫家在時局下共振的一種思想寫照。此作曾多次由畫家親選出品於戰後的重要展覽，包括：1952年「第一屆自由中國美展」、1958年在台北中山堂的首次個展等。作為台灣抽象畫的先驅者，莊世和的實驗也代表著1940年代初期，台灣畫家曾以綜合立體主義的抽象藝術，置身於戰爭期東亞周邊連帶的前衛脈絡下。
（撰文／國立臺南藝術大學 藝術史學系專任助理教授 蔣伯欣）

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